MONTAGE
In der Serie „Assembly“ nutze ich die geometrische Abstraktion als Ausdrucksmittel, um die menschlichen Erfahrungen in Großstädten darzustellen. Durch Kompositionen, die mit Volumen, Perspektiven und Farbfeldern spielen, schaffe ich visuelle Passagen, die an moderne Architektur und den Rhythmus der Stadt erinnern. Diese Linien und Ebenen sind jedoch keine leeren Strukturen: Sie stehen für Räume des Zusammenlebens, Orte zufälliger Begegnungen und die unsichtbaren Grenzen, die uns im städtischen Raum verbinden oder voneinander trennen. Durch die Einbeziehung unterschiedlicher Materialien und die Aufhebung der Grenzen zwischen bildender Kunst und Oberflächengestaltung wird meine Arbeit zu einer lebendigen Bühne. Es ist eine Einladung, innezuhalten und sich auf die Geometrie einzulassen, um die kühle Monumentalität der Stadt in eine warme Landkarte kollektiver Identität, Empathie und unseres tiefen menschlichen Bedürfnisses nach Verbundenheit zu verwandeln.
Meine Arbeit bewegt sich im Bereich der zeitgenössischen geometrischen Abstraktion, in der Struktur und Intuition nebeneinander bestehen. Anhand von Kreisen, Linien und Farbflächen erforsche ich visuelle Beziehungen, die zwischen kompositorischer Ordnung und der Spontaneität der Geste oszillieren.
Zwar orientiert sich meine künstlerische Praxis an den Prinzipien des Bauhaus – formale Klarheit, Ausgewogenheit und der Einsatz von Geometrie –, zeichnet sich jedoch durch die Einbeziehung gestischer Texturen aus, die den Negativraum beleben. Diese mit größerer Freiheit bearbeiteten Materialoberflächen erzeugen eine Spannung zwischen Kontrolle und Ausdruckskraft.
Im Gegensatz dazu entsteht der positive Raum durch definierte geometrische Formen – Kreise, Ovale, Dreiecke und farbige Flächen –, die mit struktureller Präzision angeordnet sind. Diese Formen fungieren als visuelle Einheiten, die innerhalb der Komposition Rhythmus, Hierarchie und Ausgewogenheit erzeugen.
Das Zusammenspiel von strukturierten Oberflächen und scharfen geometrischen Elementen schafft einen Dialog zwischen Gestik und Struktur. Farbe, die in satten und kontrastreichen Flächen eingesetzt wird, fungiert als ordnendes Element, das den Blick lenkt und die innere Dynamik des Werks verstärkt.
In meinen verschiedenen Serien setze ich mich mit Themen wie zwischenmenschlichen Beziehungen, Erinnerung, Migration, Spiritualität und gesellschaftlichen Fragen auseinander, die ich in eine abstrakte und synthetische Bildsprache übersetze. Diese Bezüge werden nicht wörtlich wiedergegeben, sondern durch Spannungen, Gleichgewichte und Verbindungen zwischen den Formen in die kompositorische Struktur integriert.
Meine Arbeit schlägt somit eine zeitgenössische geometrische Formensprache vor, die formale Strenge und expressive Freiheit vereint und sowohl zu einer analytischen Betrachtung der Komposition als auch zu einem unmittelbaren visuellen Erlebnis einlädt.
Kunstwerk: Neues, originelles und einzigartiges Kunstwerk von Miriam Chiera.
Technik: Pastellfarben, Acryl, Sprühfarbe, Schablonen, Graphit auf bedruckter Baumwollleinwand (290 g/m²).
Signatur: Signatur auf der Rückseite, inklusive Echtheitszertifikat.
Versand: Das Kunstwerk wird (bei Sendungen außerhalb der EU) nach etwa 7 Tagen versandt, damit die für die Zollabfertigung erforderlichen Unterlagen bei Cultural Goods vorbereitet werden können.
Die Abbildungen in den Rahmen dienen lediglich der Veranschaulichung.
Das Kunstwerk wird ungerahmt und in Transparentpapier eingerollt geliefert, um Beschädigungen zu vermeiden (professionelle Verpackung, eingerollt in einer Kunststoffrolle oder einer verstärkten Papprolle).
Bitte beachten Sie, dass die Farben auf verschiedenen Bildschirmen leicht abweichen können.
Steuern:
„Bei Einkäufen außerhalb der Europäischen Union können Einfuhrsteuern oder Zölle anfallen, für deren Begleichung der Käufer verantwortlich ist.“
MATERIALIEN:
Dieses Werk wurde auf hochwertiger Leinwand geschaffen, was für die Herstellung schöner und langlebiger Kunstwerke unerlässlich ist. Ein hochwertiges Baumwoll-Leinen, das Risse und Ausdehnungen verhindert, erstklassige Materialien von führenden Marken, Malmittel für geschmeidige Texturen, die Risse verhindern, die sich im Gewicht des Gewebes widerspiegelnde Dichte, die fachgerechte Aufspannung und Grundierung gewährleisten, dass Sie in ein hochwertiges Kunstwerk investieren und dass dieses über lange Zeit unversehrt bleibt.
Biographie:
Miriam Chiera ist eine italienisch-argentinische zeitgenössische Künstlerin, die in Senigallia, Italien, lebt. Sie studierte Innenarchitektur an der Fakultät für Architektur der Universidad Nacional del Litoral in Argentinien und absolvierte außerdem ein Kunststudium an der Kunstakademie in Verona, Italien.
Sie wurde in einer kleinen Stadt in Argentinien, umgeben von weiten Landschaften, als Tochter einer Familie italienischer Einwanderer geboren, die als Bauern lebten. Obwohl ihre Wurzeln tief in der italienischen Kultur liegen, spiegelt sich in ihrer Kunst der Geist der Gegend wider, in der sie aufgewachsen ist. Auf ihren Leinwänden sind kleine Zeichen und Symbole verstreut, die Kubismus, Konstruktivismus und abstrakte Geometrie mit dem Kern ihres Schaffens verweben: der Sprache der Farbe.
Umgeben von der Weite der Natur, mit unendlichen Horizonten und einem tiefen Gefühl von Freiheit, fand sie Inspiration in großformatigen Werken. Obwohl sie Innenarchitektur an der Universidad Nacional del Litoral studierte, begann ihr Weg zur Malerei bereits in jungen Jahren. Erst während ihres Aufenthalts in der Stadt von Romeo und Julia, wo sie an der Accademia di Arte in Verona studierte, wurde ihr klar, dass die Malerei ihre wahre Berufung war.
Miriams Werke wurden für die Ausstellung im Rahmen internationaler Wettbewerbe, in Galerien, Museen und bei Veranstaltungen ausgewählt.
2017 – Auswahl für die Biennale der Bildenden Künste, „Friends of Art“, Ceres, Argentinien.
2019 – XII. Regionaler Malersalon „Salvador Massa“, Argentinien.
2019 – Finalist beim 3. Malwettbewerb anlässlich des 56. Jahrestags der Fundación 25 de Junio, Rosario, Argentinien.
2019 – Ausgewählt für die 66. Nationale Jahresausstellung der Künste in Ceres, Argentinien.
2019 – Finalist bei der XXIII. Spring Hall, Museum für Bildende Kunst, Santa Fe, Argentinien.
2019 – Finalist bei der regionalen Jahresausstellung der Künstler, Museum H. Borla, Esperanza, Argentinien.
2020 – Finalist bei der XXIV. Spring Hall, Städtisches Museum für Bildende Künste, Argentinien.
2021 – Finalist bei der XXVI. Spring Hall in Santa Fe, Argentinien.
2023 – Teilnehmer am Chorlton Arts Festival in Manchester, Vereinigtes Königreich.
2025 – Finalistin bei „Women Artist On The Rise 2025“ in den USA
2026 – Veröffentlichung im Magazin „Gorila Spain“, Mai 2026
2026 – Veröffentlichung im ARTEA Spain Magazine, Mai 2026
2026 – Veröffentlichung in „Tendencia del Arte“. Spanien
Ihre Werke befinden sich in Privatsammlungen auf der ganzen Welt.
Heute lebt sie in Senigallia, Italien, nachdem sie viele Städte bereist hat: Mailand, Verona, Ancona, Barcelona, Manchester, Buenos Aires, Rosario und ihre Heimatstadt Ceres. Jeder Ort hat ihre Kunst geprägt und die Vision und den Ausdruck geprägt, die sich durch ihr Werk ziehen.
Erklärung des Künstlers:
Ein Kunstwerk ist weit mehr als ein modisches Objekt, ein vorübergehender Trend oder ein dekoratives Element, das dazu dient, ein räumliches Problem zu lösen. Ich schaffe Gemälde in der Hoffnung, dass sie zu einem Fenster werden, durch das Sie sich selbst eine Geschichte erzählen können – ein Fenster, durch das die Kunst auf sinnvolle Weise mit Ihrem Leben in Wechselwirkung tritt.
Jedes Stück trägt seine eigene Handschrift, eine Seele, eine Energie, die es zu einer lebendigen Präsenz in Ihrem Raum macht. Mein Ziel ist es, dass meine Kunst Sie berührt, in Ihnen den Wunsch weckt, sie zu besitzen, in ihr Wesen einzutauchen und jeden Morgen, wenn Sie vor ihr stehen, ihre Gegenwart zu genießen.
