Artiste : David Shrigley (1968)
Titre : Il ne mange que des pâtes à l'encre de seiche
Année : 2021
Technique : lithographie offset en couleurs sur papier Munken Lynx 200 g
Dimensions : 31,50 x 23,63 pouces (80,01 x 60,01 cm)
Condit : Bien conservé, conforme à l'âge et au milieu.
Inscription : Non signé et non numéroté tel que publié
Éditeur : Shrig Shop, Copenhague
Imprimeur : Narayana Press, Danemark
DAVID SHRIGLEY (1968) est un artiste contemporain britannique, dessinateur, graveur, sculpteur, photographe, cinéaste et provocateur conceptuel dont l’humour irrévérencieux, les dessins délibérément maladroits, les récits absurdes et les observations psychologiquement révélatrices de la vie quotidienne l’ont imposé comme l’une des figures les plus reconnaissables et les plus célèbres au niveau international de l’art contemporain britannique. Né à Macclesfield, dans le Cheshire, en Angleterre, et ayant grandi à Leicester, Shrigley a étudié à l’école polytechnique de Leicester avant d’intégrer la Glasgow School of Art, où il a développé ce langage artistique non conventionnel qui allait devenir sa contribution emblématique à la culture visuelle contemporaine. Son œuvre se reconnaît d'emblée à ses dessins en noir et blanc d'une simplicité trompeuse, à ses textes manuscrits, à ses animaux étranges, à ses figures humaines déformées, à ses affirmations inattendues et à ses combinaisons d'innocence visuelle et d'humour noir, qui transforment des situations ordinaires en réflexions absurdes, dérangeantes et souvent philosophiques sur l'existence moderne. Associé à l'art conceptuel contemporain, à l'absurdisme, à l'illustration satirique et aux traditions toujours vivantes du dadaïsme et du surréalisme, Shrigley n'a cessé de remettre en question les distinctions conventionnelles entre les beaux-arts, la bande dessinée, le graphisme, la culture populaire et la communication quotidienne, en créant des œuvres à la fois accessibles, intellectuellement provocantes et psychologiquement complexes. Sa pratique artistique s'est développée dans le sillage de l'héritage moderniste plus large établi par Pablo Picasso, Alexander Calder, Alberto Giacometti, Salvador Dalí, Joan Miró, Vassily Kandinsky, Marcel Duchamp et Man Ray, dont les recherches révolutionnaires sur la forme, l’abstraction, le surréalisme, la sculpture, l’expérimentation conceptuelle et la relation entre l’art et l’expérience quotidienne ont profondément transformé la culture visuelle du XXe siècle. La déformation expressive de la figure humaine chez Picasso, les expérimentations sculpturales ludiques de Calder, les recherches existentielles de Giacometti sur la présence humaine, la manipulation onirique de la réalité chez Dalí, le symbolisme poétique de Miró, la libération de la forme et de la couleur chez Kandinsky, ainsi que les provocations conceptuelles de Duchamp et de Man Ray constituent autant de repères historiques essentiels pour comprendre les traditions d’avant-garde à l’aube desquelles Shrigley a développé son identité artistique singulière. Son œuvre s'inspire tout particulièrement des stratégies irrévérencieuses du dadaïsme, des absurdités psychologiques du surréalisme, des défis conceptuels lancés par Marcel Duchamp, ainsi que de l'imagerie non conventionnelle associée à des artistes tels que René Magritte, Jean Dubuffet, Paul Klee et Philip Guston, dont les recherches sur le langage, l’humour, la simplicité apparente et l’instabilité du sens offrent des parallèles historiques significatifs avec l’approche de Shrigley. Son vocabulaire artistique reflète également l'influence plus large de l'illustration de bande dessinée britannique, du dessin satirique, des bandes dessinées underground et de la tradition de l'humour pince-sans-rire, en combinant ces sources avec la réflexion philosophique contemporaine et le langage visuel de la communication quotidienne. Contrairement aux artistes qui mettent l'accent sur la virtuosité technique ou une composition picturale élaborée, Shrigley cultive délibérément la maladresse, l'imperfection et une naïveté apparente, créant ainsi des dessins dont les contours grossiers, le lettrage irrégulier et les formes simplifiées recèlent des observations subtiles sur le comportement humain, les conventions sociales, l'angoisse, la mortalité et l'absurdité de l'existence. Ses œuvres mettent souvent en scène des animaux se livrant à des activités humaines, des corps déformés, des objets qui parlent, des consignes ambiguës et des affirmations contradictoires qui bouleversent les attentes habituelles et invitent les spectateurs à repenser la relation entre le langage, l'image et le sens. L'humour de ces compositions naît souvent de la confrontation entre des formes visuelles familières et des affirmations textuelles inattendues, donnant lieu à des images qui semblent d'emblée amusantes mais qui, à y regarder de plus près, révèlent des implications psychologiques et philosophiques de plus en plus complexes. L'utilisation par Shrigley de textes manuscrits revêt une importance particulière, car les mots ne servent pas simplement de légendes, mais constituent des éléments à part entière de l'œuvre d'art, contredisant, compliquant ou transformant souvent le sens de l'image qui les accompagne. Ce lien entre le langage et la forme visuelle rattache sa pratique à l'histoire plus large de l'art conceptuel et de la peinture textuelle, notamment aux œuvres d'artistes tels que Lawrence Weiner, Jenny Holzer, Barbara Kruger et Ed Ruscha, même si l'approche de Shrigley continue de se distinguer par son intimité, son absurdité et son apparente spontanéité. Ses dessins ressemblent souvent à des fragments de pensées intimes, de conversations entendues par hasard, d’instructions singulières ou d’observations irrationnelles, créant ainsi une atmosphère dans laquelle les frontières entre la psychologie individuelle et le comportement social collectif deviennent délibérément floues. Cette ambiguïté confère à son œuvre une capacité hors du commun à transcender les frontières culturelles et linguistiques, car la simplicité de son imagerie permet aux spectateurs d'apprécier immédiatement son humour tout en découvrant des niveaux de sens plus profonds. La carrière artistique de Shrigley s'est développée à une époque où l'art contemporain britannique bénéficiait d'une reconnaissance internationale croissante, notamment grâce à l'émergence des « Young British Artists » et à l'importance grandissante des pratiques conceptuelles, des installations et des œuvres multimédias. Bien que son œuvre présente certaines caractéristiques irrévérencieuses et provocantes communes à celles d’artistes associés à cette génération, notamment Damien Hirst, Sarah Lucas, Tracey Emin et Gavin Turk, Shrigley a su conserver une identité artistique indépendante, ancrée dans le dessin, l’humour et les possibilités expressives d’une imagerie délibérément non conventionnelle. Parmi ses pairs et ses contemporains, on trouve également des artistes tels que Martin Creed, Jeremy Deller et d'autres créateurs britanniques qui explorent la relation entre l'expérience quotidienne, l'expérimentation conceptuelle et la participation du public. L'œuvre de Shrigley occupe une place à part au sein de ce contexte plus large, car elle allie la accessibilité de la bande dessinée aux préoccupations intellectuelles de l'art conceptuel contemporain, remettant ainsi en question l'idée selon laquelle le sérieux artistique passe nécessairement par un raffinement technique, une échelle monumentale ou un langage théorique obscur. Sa réussite artistique réside dans sa capacité à transformer ce qui semble anodin en une réflexion d'une grande portée philosophique, en utilisant l'humour comme moyen d'explorer la vulnérabilité, l'anxiété sociale, l'autorité institutionnelle, l'identité personnelle et les contradictions de la vie moderne. Tout au long de sa carrière, Shrigley a développé une pratique multidisciplinaire très riche, englobant le dessin, la peinture, la sculpture, la photographie, l'animation, le cinéma, des projets liés à la musique, des installations, des publications et des estampes d'art originales. Ses sculptures transposent souvent l'absurdité de ses dessins dans un espace tridimensionnel, donnant naissance à d'étranges animaux, à des objets surdimensionnés, à des figures déformées et à des constructions inattendues qui remettent en question les relations conventionnelles entre l'échelle, la fonction et la représentation. Ces œuvres recourent souvent à des formes délibérément simplifiées et à des matériaux inhabituels, ce qui met en évidence sa fascination pour la tension entre les objets familiers et les transformations irrationnelles. Ses œuvres photographiques explorent elles aussi l'absurdité des environnements quotidiens, en présentant souvent des situations ou des objets ordinaires sous un jour qui révèle un humour inattendu, une contradiction ou un malaise psychologique. Ses animations et ses films étendent son vocabulaire graphique au domaine de l'image animée, permettant à ses personnages singuliers et à ses récits manuscrits de prendre vie à travers des mouvements délibérément maladroits, des sons inattendus et une narration absurde. Ces projets témoignent de la capacité d'adaptation de son langage artistique à différents supports, tout en conservant les caractéristiques immédiatement reconnaissables qui définissent ses dessins. Les œuvres graphiques de Shrigley occupent désormais une place particulièrement importante sur le marché international des collectionneurs : ses sérigraphies, lithographies, gravures sur bois et autres œuvres graphiques originales permettent de faire découvrir son univers à un large public de collectionneurs intéressés par l'art britannique contemporain, le dessin conceptuel, l'illustration satirique et les œuvres basées sur le texte. Ses gravures se caractérisent souvent par des fonds aux couleurs vives, des animaux schématisés, des déclarations manuscrites et des remarques humoristiques qui allient l'immédiateté visuelle à l'ambiguïté conceptuelle. La simplicité apparente de ces compositions les rend particulièrement accessibles, mais leur humour cache souvent des réflexions plus complexes sur le comportement humain, la mortalité, le désir, la frustration et l'instabilité du sens. Ses éditions graphiques ont largement contribué à la visibilité internationale de son œuvre, permettant à son vocabulaire artistique singulier de s'étendre au-delà des expositions traditionnelles en galerie pour s'intégrer dans des intérieurs contemporains, des collections privées et la culture visuelle au sens large. Les livres et publications de Shrigley occupent également une place importante dans son œuvre, mêlant dessins, textes et récits absurdes sous des formes qui invitent à un engagement intime avec son imagination artistique. Ces publications témoignent de son intérêt pour la relation entre l'art et la communication quotidienne, démontrant que les frontières entre un dessin, un texte, un dessin humoristique et une œuvre d'art conceptuelle peuvent être délibérément floues. Son identité artistique s'est également forgée à travers des collaborations avec des musiciens, des designers, des éditeurs et des organismes culturels, ce qui a renforcé sa place au sein d'un milieu de l'art contemporain de plus en plus interdisciplinaire. Ses œuvres ont été présentées dans le cadre de projets liés à la musique, de commandes publiques et d'expositions hors des sentiers battus, témoignant ainsi de sa volonté d'interpeller des publics en dehors des cadres traditionnels des musées et des galeries. La renommée internationale de Shrigley s'est considérablement accrue au cours des années 2000 et 2010, ses dessins, sculptures et installations suscitant un intérêt croissant de la part des musées, des collectionneurs, des critiques et du grand public. En 2013, il a été nominé pour le Turner Prize, l'un des prix les plus prestigieux de l'art contemporain britannique, en reconnaissance de sa contribution singulière au dessin, à la sculpture et à la pratique conceptuelle contemporains. Sa nomination témoignait de la reconnaissance institutionnelle croissante dont bénéficiait un artiste dont l'imagerie, délibérément brute, avait remis en question les attentes conventionnelles en matière de réussite artistique. En 2016, Shrigley a créé « Really Good », une sculpture monumentale en bronze représentant un pouce levé allongé, installée sur le quatrième socle de Trafalgar Square à Londres, transformant ainsi un symbole familier d’approbation en un monument public absurdement exagéré. Cette sculpture est devenue l'une de ses œuvres publiques les plus célèbres, alliant humour, optimisme, ambiguïté et critique sociale dans une forme immédiatement accessible à un large public international. Ses proportions exagérées et son aspect délibérément maladroit illustrent la capacité de Shrigley à transformer des gestes ordinaires en déclarations artistiques chargées de résonances psychologiques et culturelles. Ses projets publics démontrent également la capacité de son langage visuel à entrer en résonance directe avec l'expérience sociale contemporaine, en invitant les spectateurs à participer à l'interprétation de symboles familiers et d'expressions du quotidien. L'influence de Shrigley sur les générations suivantes d'artistes a été considérable, en particulier parmi les illustrateurs contemporains, les artistes conceptuels, les dessinateurs, les graphistes et les créateurs qui associent texte, humour et imagerie délibérément simplifiée pour explorer des questions psychologiques et sociales. Son œuvre constitue un précédent historique important pour les jeunes artistes qui adoptent un style de dessin maladroit, des récits absurdes et la confrontation entre l’innocence visuelle et des contenus dérangeants, tandis que sa notoriété internationale a contribué à une plus large acceptation de l’humour et de l’imagerie de type bande dessinée au sein des beaux-arts contemporains. Sa pratique trouve également un écho chez les artistes évoluant dans les domaines du néo-pop contemporain, de l’illustration conceptuelle et de la peinture satirique, où la relation entre une imagerie accessible et un sens complexe reste une préoccupation centrale. Bien qu’il n’existe pas de recensement exhaustif des jeunes artistes qui ont publiquement cité Shrigley comme une influence directe, son langage visuel singulier est devenu une référence majeure au sein de la culture graphique contemporaine, en particulier pour les artistes qui cherchent à remettre en question les hiérarchies traditionnelles entre les beaux-arts et l’illustration populaire. Son œuvre démontre que l'humour peut constituer une stratégie artistique sérieuse, permettant de mettre en lumière des contradictions et des vulnérabilités qui pourraient rester cachées dans des formes de représentation plus conventionnelles. La philosophie artistique de Shrigley met l'accent sur le potentiel créatif de l'incertitude, de l'imperfection et de l'irrationalité, considérant les erreurs apparentes et les formes non conventionnelles comme autant d'occasions de découverte créative plutôt que comme des défauts à corriger. Cette approche revêt une importance particulière dans les débats actuels sur l'authenticité artistique, l'autorité institutionnelle et la relation entre l'expertise professionnelle et l'expression spontanée. Ses dessins remettent souvent en question les attentes du spectateur quant à ce qui constitue le savoir-faire artistique, démontrant que la puissance expressive d'une image peut dépendre autant de l'invention conceptuelle et de la perspicacité psychologique que du raffinement technique. Pour les collectionneurs, David Shrigley occupe une place importante sur le marché international de l'art contemporain britannique, du dessin conceptuel, de l'illustration satirique, du néo-pop et des estampes d'art originales. Ses peintures, dessins, sculptures, sérigraphies et œuvres en édition limitée offrent en effet une combinaison unique d'humour visuel, de sophistication conceptuelle et d'une identité artistique immédiatement reconnaissable. Ses œuvres intéressent tout particulièrement les collectionneurs passionnés par Ed Ruscha, Keith Haring, Jean-Michel Basquiat, Philip Guston, Martin Creed, Damien Hirst et d’autres artistes dont la pratique remet en question les distinctions conventionnelles entre le sérieux artistique, l’imagerie populaire et l’expérimentation conceptuelle. Ses dessins originaux et ses éditions graphiques se distinguent notamment par leurs textes manuscrits, leurs animaux étranges, leurs personnages délibérément maladroits et leurs réflexions philosophiques inattendues, tandis que ses sculptures et ses installations transposent ces caractéristiques dans l'espace physique à travers des transformations humoristiques d'objets et de gestes familiers. Aujourd'hui, David Shrigley poursuit une carrière multidisciplinaire reconnue à l'échelle internationale ; il expose dans de grandes galeries et de grands musées tout en créant des œuvres qui abordent les absurdités, les angoisses et les contradictions de la vie contemporaine. Sa réussite artistique réside dans sa capacité à transformer les formes les plus simples de communication visuelle en expériences conceptuelles sophistiquées, démontrant ainsi que l'humour, la maladresse et une naïveté apparente peuvent devenir de puissants outils d'observation psychologique et d'expression artistique. Son attrait durable témoigne de l’extraordinaire accessibilité de son univers visuel et de sa capacité à transmettre des idées complexes à travers des rencontres directes, humoristiques et souvent dérangeantes, ce qui lui assure une place parmi les figures les plus marquantes de l’art britannique contemporain. Le record d'enchère le plus élevé pour David Shrigley s'élève à 165 100 dollars américains pour sa sculpture Memorial de 2016, vendue chez Sotheby's New York en février 2023.
